Après l'écriture, Philippe Claudel s'attaque au 7ème art. Il avait déjà adapté son livre Les Ames grises en tant que scénariste en 2005 mais cette fois, il réalise lui-même l'adaptation de son roman.

     On se retrouve ainsi plongés au cœur d'un secret de famille dont personne ne veut parler. Juliette sort de prison après 15 ans sans avoir eu de nouvelles de sa famille ou de ses amis. Elle est accueillie par sa petite sœur, dont elle était très proche. C'est la seule chose que l'on sait. Et le spectateur va peu à peu découvrir le caractère et l'histoire de cette femme au fur et à mesure qu'elle veut bien se livrer et se reconstruire. Le réalisateur va, pour ce faire, s'attarder sur des détails, tant au niveau du scénario que du physique ou des émotions des personnages.

      Le film laisse cependant place parfois à des situations un peu trop caricaturales ou forcées, auxquelles on ne croit pas forcément. Un employeur qui insiste lourdement pour savoir pourquoi elle a été condamnée à 15 ans d'emprisonnement et qui parvient à la faire craquer en quelques secondes, ou le mari qui devient parano à outrance, semblent en être de bon exemples. Mais ces quelques moments moins convaincants  sont facilement oubliés face à l'implication des acteurs. Kristin Scott Thomas, dans un français presque irréprochable, incarne avec énormément de talent une Juliette tourmentée, dont on voit qu'elle a souffert. Elle veut tout garder pour elle mais va être peu à peu amenée à se dévoiler, à se raconter. Les non-dits, le fait d'être rejetée par tous, ont fait qu'elle a choisi de prendre sur elle. C'était sans compter sur sa sœur, interprétée par une Elsa Zylberstein toute en sensibilité. Elle prenait sa sœur pour modèle et ne se remet toujours pas de cet éloignement forcé. C'est son acharnement à vouloir comprendre et à renouer le dialogue avec sa sœur qui va les faires avancer. Le duo est accompagné par des seconds rôles forts, souvent émouvants, parfois drôles, mais toujours déclencheurs.

     Un seul vrai bémol : le quart d'heure de fin lève enfin le voile après une heure d'attente et de presque sur place. La fin est prévisible, même si très émouvante. Mais on n'y va pas pour le suspense...

 Voir la bande-annonce

     Après Alexandre (2005), César (1936) et Attila le Hun (2001), c’est au tour de Gengis Khan d’être mis à l’honneur dans les salles obscures. Mongol est le premier volet d’une trilogie consacrée à ce grand conquérant qui unifia la Mongolie et qui étendit son empire de la Chine à la mer Caspienne entre le XII^ème  et le XIII^ème siècle. On découvre dans cet opus la jeunesse de Temudjin, vrai nom du grand Khan. Après avoir vu son père assassiné par une tribu rivale, le jeune Temudjin est contraint de s’exiler pour échapper à une mort certaine. Arrivé à l’âge adulte, il continue d’alterner les périodes de captivité et de fuites avant de devenir le chef militaire tant redouté.

     Pour mettre sur pied cette gigantesque fresque épique si peu exploitée au cinéma, il ne fallait pas moins que Sergei Bodrov. Avec un budget colossal de 20 millions de dollars le projetant film le plus cher de l’histoire du cinéma russe, le réalisateur a réussi à nous plonger dans la Mongolie du XII^ème  siècle où violence rime avec tradition. Il faut toutefois préciser que Bodrov n’est pas à son coup d’essai. Les 1 000 figurants qui font office de guerriers pour la bataille finale avaient déjà été recrutés en 2004 pour le tournage de Nomad (sortie en DVD le 2 avril 2008), un film sur des luttes tribales au Kazakhstan.  

     Désert de Gobi, steppes arides de Mongolie et du Kazakhstan, plaines verdoyantes de Chine occidentale,… Sergei Bodrov traîne ses caméras aux quatre coins de l’Asie pour offrir à chaque scène des paysages époustouflants. Les longs cheminements de Temudjin et de ses pairs dans ces grands espaces font prendre conscience de toute la mesure de la rudesse et de l’immensité de ces contrées. Les costumes d’époque et les chants traditionnels mongols sont autant d’invitation au voyage (dans le temps et dans l’espace) et au dépaysement. On s’y croirait !

      Le succès de Mongol tient aussi d’une distribution intelligemment pensée. Pas de Collin Farrell bodybuildé et invincible pour interpréter un conquérant implacable, que des talents asiatiques inconnus du cinéma occidental. Gengis Khan est impeccablement interprété par l’acteur japonais, Tadanobu Asano, habitué aux rôles de samouraïs (Zatoïchi en 2003) et de marginaux. Il donne une réalité déconcertante au personnage que tous les pays d’Asie revendiquent comme un héros national. En faisant passer Temudjin pour une victime de son époque, Sergei Bodrov contribue à rompre l’image d’un Gengis Khan cruel et sanguinaire. Il a voulu montrer qu’il pouvait aussi être un héros juste et sage. Khulan Chuluun joue le rôle de Borte, la femme fidèle et courageuse de Temudjin, qui n’hésite pas à traverser tout le continent pour sortir son homme d’une geôle chinoise. Elle se révèle aussi une brillante conseillère contre Jamukha, frère de sang et pourtant ennemi juré de Temudjin, joué avec justesse par Honglei Sun.

       Nommé aux Oscars dans la catégorie Meilleur film étranger pour le Kazakhstan, Mongol offre un excellent témoignage sur la vie de Gengis Khan, tant les évènements montrés sont fidèles à l’histoire du conquérant. On regrettera juste quelques sauts dans le temps qui nous font perdre le fil de l’évolution du héros ainsi que quelques passages rapides sur des faits non expliqués. Les scènes de joie entre Temudjin et sa famille dans les plaines verdoyantes alternent toutefois avec des scènes de combat intenses qui donnent du rythme au film. Pendant 2h04, on ne s’ennuie pas. Mieux : on en redemande et on regrette que le film se termine à la consécration du grand Khan, laissant le spectateur dans l’expectative des conquêtes à venir. On attend avec impatience le deuxième opus de la saga.


Critique écrite par Romain. Vous pouvez retrouver d'autres critiques de films ainsi que de nombreux articles d'actualité sur son blog. 

L'acteur américain Charlton Heston est décédé samedi 5 avril à l'âge de 84 ans. Star du cinéma hollywoodien des années 50, il imposait son physique à l'écran. Oscarisé en 1959 pour son rôle dans Ben Hur et sa course de char désormais mythique, il avait également joué dans les 10 commandements sous les traits de Moïse.
Il se faisait absent du grand écran depuis plusieurs années, sa dernière apparition remontant à 2001 dans La planète des singes de Tim Burton. Mais on a pu le voir se consacrer à une cause plus polémique, puisqu'il a présidé entre 1998 et 2003 la National Riffle Association ( NRA ou le puissant lobby américain pour les armes à feu) et qu'il en était resté une des figures de proue. Michael Moore ne s'était d'ailleurs pas privé de dénoncer cet engagement dans son film Bowling for Columbine (2002) où il interviewait sans ménagement l'acteur.

     Moulin Rouge ! Ce nom vous évoque forcément quelque chose. Pour tout le monde c'est bien sûr un cabaret parisien connu dans le monde entier. Pour les amateurs de ciné, c'est un film de Baz Luhrmann, celui qui a confirmé son talent aux yeux du grand public. Retour sur une filmographie atypique.

     Pas si surprenant que ça en fait, Baz Luhrmann devenu réalisateur. Déjà petit, il arpentait les salles de cinéma. Après avoir fondé sa troupe de théâtre en Australie, son pays d'origine, il crée la pièce Strictly Ballroom. Cette même pièce qui, en 1991, deviendra sa première réalisation sur grand écran. Il y raconte l'histoire d'un jeune danseur tiraillé entre sa passion pour la danse et la pression de sa famille pour qu'il gagne un grand concours. Un scénario aux touches autobiographiques puisque le petit Baz prenait des cours de danse. Six ans plus tard, on le retrouve dans un tout autre registre : Shakespeare. Il dynamite le chef d'œuvre et installe les amants maudits au cœur de notre époque, en Floride, où les jeunes générations expriment leur haine avec des 9 mm et prennent de l'ecstasy. Troisième opus, troisième monde, celui des bas fonds du Paris de 1899 en pleine révolution bohème. En 2001, il associe deux stars mondiales, Nicole Kidman et Ewan McGregor, les fait chanter et danser dans un décor de cabaret aussi kitch que somptueux.

   
     Trois films seulement, trois univers apparemment opposés, mais aussi complémentaires et finalement pas si différents. Celle que l'on a appelé « The Red Curtain Trilogy », dans un hommage au cinéma théâtral, dépeint presque toujours des univers assez fermés (les concours de danse, des clans, le monde de la nuit), spéciaux, avec des codes, des règles dont les personnages veulent d'affranchir. Mais le thème récurrent est bien évidemment l'amour. Inattendu, soudain, incompris, interdit, tragique, entier, passionné, empêché, inconditionnel, meurtrier.


Autre point commun et non des moindres : des personnages secondaires toujours indispensables. Qu'il s'agisse des parents de Scott dans Strictly Ballroom, de l'entourage des jeunes amants dans Romeo + Juliet ou des créatures de Moulin Rouge ! , ils ne sont jamais ce que l'on croit. Derrière leur image faussement exagérée et une personnalité envahissante, ce sont aussi eux qui portent le film et lui donnent son sens. Que serait Roméo sans Mercutio ? Et Satine sans Zidler ? La plupart du temps proches des héros, ce sont eux qui les comprennent vraiment et font d'eux ce qu'ils sont. Projetés dans des univers colorés, bruyants, toujours en mouvement ou presque, les personnages de Luhrmann sont plus que mis en valeur, à l'image d'un Romeo + Juliet qui révéla Claire Danes et confirma DiCaprio avant le buzz de Titanic.

     Baz Luhrmann, après sept ans d'absence, sera à nouveau dans les salles en 2008 avec son nouveau bébé, Australia. Après l'avoir dirigée dans la publicité Chanel n°5, au passage la plus chère de l'histoire, il offre une fois de plus à Nicole Kidman un rôle que l'on peut qualifier de sur mesure, puisqu'elle y incarne une aristocrate britannique expatriée en Australie au début des années 40 qui aura besoin de l'aide de Hugh Jackman pour gérer son ranch. Une nouvelle trilogie en vue ? On l'espère !